Подробно о коллекциях Третьяковской галереи

Третьяковская галерея в Москве – главный музей русского искусства, отражающий его уникальный вклад в мировую культуру. Галерея с крупнейшей в мире коллекцией произведений русской живописи, графики и скульптуры сформировалась из частных собраний братьев Павла и Сергея Третьяковых.

Наследие Павла Третьякова

Цель основателя коллекции Третьяковки изначально была глобальной – создание национальной галереи, в которой будет представлена русская школа живописи. Стремление принести пользу обществу побудили Павла Михайловича Третьякова собирать картины русских художников. Собственно, история Третьяковской галереи начинается в 1856 году, с приобретения Третьяковым двух работ мастеров русской живописи – «Искушение Николая» Шильдера и «Стычка с финляндскими контрабандистами» Василия Худякова.

Промышленник и меценат Павел Третьяков начал коллекционировать искусство в возрасте 22 лет, в 1854 году, когда он купил 10 полотен голландских мастеров. Увлекшись благотворительностью, братья Третьяковы распределили между собой предпочтения, Павел собирал работы русских художников, Сергей Михайлович – произведения западноевропейских мастеров.

Стараясь показать истоки и развитие отечественной художественной школы, Третьяков приобретал картины мастеров 18 и первой половины 19 века. Он также задумал создать портретную галерею выдающихся людей Российской империи и заказывал портреты деятелей отечественной истории у ведущих художников, работавших в портретном жанре – Ильи Репина, Николая Ге, Ивана Крамского, Николая Неврева, Василия Перова.

В Лаврушинский переулок (район Замоскворечье) семья Третьяковых переехала в 1851 году. Чтобы вместить все полотна, которые Третьяков покупал на выставках или в мастерских художников, ему приходилось неоднократно перестраивать дом (в 1870-1880 годах архитектором Александром Каминским).

Сегодня главный фасад здания, в виде русского терема, спроектированный Виктором Михайловичем Васнецовым, в период с 1902 по 1904 год, – символ Третьяковки. Примечательно и то, что на средства братьев Третьяковых по проекту Каминского была проложена живописная улица в Китай-городе, известная сегодня как Третьяковский проезд.

В 1867 году в особняке Третьяковых была организована выставка и все желающие могли посмотреть шедевры русского искусства. Спустя почти четыре десятилетия после приобретения первых картин, в августе 1892 года, Павел Михайлович передал свою бесценную коллекцию и особняк в дар Москве. Официальное открытие музея, имевшего название «Городская картинная галерея Павла и Сергея Третьяковых», состоялось 15 августа 1893 года.

Павел Михайлович хотел открыть галерею без суеты, он не любил находиться в центре внимания, быть объектом благодарностей. Но это было невозможно. Галерея приобрела большую полярность у соотечественников и по значимости не уступала ведущим музеям страны. Коллекция западноевропейской живописи, унаследованная от брата, размещалась в двух залах западной школы живописи. Третьяков продолжал приобретать произведения искусства и передавать их музею. Он также участвовал в изучении и каталогизации коллекции.

В 1913 году попечителем и директором галереи был Игорь Грабарь – выдающаяся личность, знаменитый художник, архитектор, реставратор, исследователь искусства. Он провел колоссальную работу по систематизации коллекции, классифицировал произведения хронологически, чтобы посетители могли проследить весь путь развития русского искусства. При Грабаре была создана реставрационная лаборатория. После революции коллекция значительно расширилась за счет слияния с другими музеями и передачи национализированных частных коллекций.

Под названием Государственная Третьяковская галерея объединено два ориентированных музейных пространства и несколько филиалов, образующих музейный комплекс.

• В историческом здании (Лаврушинский переулок 10, где находится Третьяковская галерея) экспонируются произведения искусства с 11 века до начала 20 века.
• В Новой Третьяковской галерее (Крымский Вал), здании, открывшемся в конце 1970-х, представлены работы художников 20 века разных направлений (авангард, соцреализм, современное искусство); с начала нового тысячелетия работает отдел новейших направлений.
• В музейный комплекс ГТГ входит музей-храм Святителя Николая в Толмачах, в котором сохраняется главная святыня – чудотворная икона Богоматерь Владимирская, также другие экспонаты из коллекции Третьяковки, имеющие религиозное значение. Коллекция древнерусского искусства галереи – уникальна и лучшая в мире. Анри Матисс, увидевший выставку икон в Москве, признался: «Я десять лет искал то, что русские художники открыли ещё в 14 веке. Не вам нужно приходить к нам, чтобы учиться искусству, а нам нужно учиться у вас».
• В Инженерном корпусе проводятся масштабные выставки классического и современного искусства.
• Музей Третьяковская галерея включают дом-музей Виктора Васнецова, музей-квартиру Аполлинария Васнецова, музей-мастерскую Анны Голубкиной, дом-музей Павла Корина.

Собрание иконописи12-17 веков, древнерусская мозаика, русская живопись, графика, скульптура, предметы прикладного искусства – это то, что можно увидеть в Третьяковской галерее.

Шедевры древнерусского искусства

Коллекция Третьяковки охватывает почти девять веков русского искусства, включая византийские фрески и панно, иконопись Владимиро-Суздальской, Ярославской, Псковской, Новгородской, Московской иконописных школ – работы Феофана Грека, Андрея Рублева, Дионисия, Симона Ушакова, парсуны 16-17 веков.

Древнерусское искусство было продиктовано византийскими традициями, спустя много веков после упадка Византийской империи. До конца 16 века русское искусство ограничивалось практически религиозными сюжетами, определенными строгими канонами. Иллюминированные рукописи (западный духовный эквивалент иконописи) – сравнительно редкое явление в России, а большая часть средневековой мозаики – произведения византийских художников, приехавших в Россию ради этой цели. Иконы – тема отдельной статьи.

Но важно понимать, что иконопись – творческий процесс совершенно особого рода. Художник мог проявить свою гениальность и техническое мастерство, работая над иконой, но он был не вправе придумывать или додумывать образ.

Еще до сравнительно недавнего времени в самой России было немного известно о древнерусской живописи. По инициативе Игоря Грабаря был основан реставрационный центр, целью которого стало раскрытие и сохранение древнерусского искусства. Благодаря этой организации, работе известных искусствоведов и опытных реставраторов очищены и тщательно изучены многие шедевры ранней русской живописи, некоторые из которых были обнаружены только после революции.

Реставрацией произведений искусства руководил Александр Анисимов. Среди знаменитых произведений, отреставрированных под его руководством, которые можно увидеть в ГТГ, – Владимирская икона Божией Матери, Троица и Звенигородский чин Андрея Рублева, Одигитрия Дионисия.

По мнению Анисимова, древнерусские иконы, написанные до монгольского нашествия на Русь, предназначались для процессий или для установки в наиболее подходящей для этой цели части церкви, в отличие от икон, созданных после 13 века. Иконы различались по размеру (от совсем маленьких до больших), тогда как в позднее время их размеры стали постоянными, поскольку они, как правило, предназначались для размещения в иконостасе.

Святым были даны лики русского типа и, в отличие от икон византийской традиции, каждый был узнаваем не только по условному иконографическому признаку. Это движение к портретному искусству, с точки зрения Анисимова, является чисто русским явлением, как и техника живописи лика, когда тяжелая форма лба, бровей и орлиного носа приводила к запавшей переносице.

Новгородской школой иконописи – центром христианского искусства в период между 12 и 16 веками – создано много шедевров, которые занимают важнейшее положение в истории иконописи. Возможности новгородской иконописи безграничны, но создатели шедевров остались анонимными (они были монахами и работали во славу Бога и своего монастыря), история сохранила имена только трех величайших мастеров. Как и другие иконописцы, они не делали исключения из практики и не подписывали свои работы, но гениальность этих мастеров принесла им известность на все времена.

• Феофан Грек (около 1340-1410): художник из Константинополя, ставший величайшим иконописцем Новгорода и Москвы. Сохранились фрагменты настенных росписей и несколько его икон. В Третьяковке можно видеть такие шедевры Феофана Грека как Преображение, двухсторонняя Донская икона Богоматери, на обороте которой Успение.
• Андрей Рублев (около 1360–1430): выдающийся русский иконописец, творчество которого представляет квинтэссенцию всего самого лучшего в средневековой живописи 14 века. Преподобного Андрея Рублева часто называют мастером владимиро-суздальской школы или раннемосковской школы, но его стиль уходит корнями в новгородские традиции.
• Дионисий (около 1440–1502): Творчество иконописца развивалось в традициях новгородской школы иконописи, но он был призван Иоанном III в Москву, где стал основателем и ведущей фигурой московской школы иконописи. Дионисий и некоторые его современники сознательно экспериментировали с балансом и композицией. Если Рублев был традиционалистом в лучшем смысле этого слова, то Дионисия волновал дух вопрошания, который предшествовал всем периодам развития и реформ в искусстве. Для художественной эволюции Дионисия мощным стимулом послужил приезд в Москву группы итальянских художников раннего Возрождения. Итальянцы глубоко повлияли на его искусство, что показывает его стиль и палитра. Цвета становятся более мягкими, фигуры вытягиваются, больше чем в традиционном для новгородской школы стиле, но мастер избегает искусственности.

Новгородские художники старались зажечь веру человека, делая особенный акцент на глаза ликов, как вдохновляющий путь к разуму и душе человека. В 15 веке, эпоху расцвета новгородской иконописи, духовность такого подхода находит выражение в утонченной композиции, в плавном линейном ритме, в гармонии пропорций и в красочной гамме цветов.

Эти характеристики – высшие достижения новгородской школы и они хорошо заметны в иконе Снятие с креста. Новгородская живопись отличается вытянутостью фигур. На этой иконе это видно в очерченных гибкой линией фигурах, изящном изгибе безжизненного тела Христа. Формы подчеркнуты четкими, прямолинейными очертаниями большого креста, который притягивает взгляд своим размером, но не заставляет реагировать на ритмическую концепцию сцены.

Строго симметричный фон нейтрализует любую гибкость, присущую изогнутой линии, так же, как лица скорбящих. Будучи сподвижниками Христа, скорбящие осознают свое уникальное положение и, несмотря на привычную для человека склонность к печали, они контролируют себя. Они испытывают боль, как и любой обыватель, но их страдание выражается не индивидуально или в убитых горем жестах, а абстрактно, в ритмическом линейном эффекте.

Чувство ритма, столь характерное для новгородской иконописи, присутствовало в религиозном искусстве России уже в 12 веке. Но в Новгороде оно получило значительное развитие. Великолепный образец – интересная икона Чудо от образа Богоматери Знамение (Битва новгородцев с суздальцами) по историческому сюжету Осада Новгорода в 1170 году, датируемая серединой 15 века.

Икона разделена по горизонтали на три части, нижняя иллюстрирует столкновение между двумя войсками. Реализм и историческая летопись впервые появляются в иконописи, хотя и остаются предметом стилизации. Сцена битвы лишена какой-либо линейной перспективы или натуралистического ракурса, люди, участвующие в битве, не индивидуализированы. Однако ритм иконы проистекает от изгибов развевающихся знамен, наклоненных голов всадников, поднятых рук лучников, выпускающих стрелы, закругленных щитов, которые контрастируют с прямыми копьями.

Чудо от образа Богоматери Знамение – практически единственный сохранившийся образец декоративной композиции (в отличие от традиционной византийской композиции), но это совершенное произведение.

Троица Андрея Рублева

Икона Троица – самое известное в истории искусства изображение Троицы, созданное преподобным Андреем Рублевым. Сцена иконы – из книги Бытие, когда Авраам принимает трех странников в своем шатре. На заднем плане виден дом Авраама, также дуб Мамврийский – за тремя странниками (Авраам принимал Бога под дубом).

Преподобный Андрей Рублев использовал библейский эпизод не просто как иллюстрацию к библейской истории. Это выражение концепции Троицы, веры в то, что Бог един в трех лицах – Отце, Сыне и Святом Духе. Для Русской Православной церкви изображение Святой Троицы в искусстве оставалось предметом споров на протяжении тысячи лет.

Несмотря на то, что Никейский собор (787 год) разрешил художественное воспроизведение Бога, Русская Православная церковь была против популярных изображений Бога-Отца и Бога-Святого Духа, так как седобородый мужчина и голубь не могут воздать должное непостижимой тайне триединого Бога. Вместо подобных широко распространенных изображений Бога Троица Андрея Рублева – лучший пример изображения Отца, Сына и Святого Духа.

Три ангела похожи (одинаковые по форме и размеру), что соответствует вере в единство Бога в трех Лицах. Все трое держат в руках посохи, увенчанные крестом, это означает, что каждый из них Небесный посланник. Тот факт, что Рублев изображает Троицу в лице ангелов, также напоминает о природе Боге – высочайшем, чистейшем, совершеннейшем духе. Ангелы показаны слева направо, в том порядке, в котором православные исповедуют веру в символ веры – Отец, Сын и Святой Дух.

Расположение крылатых фигур, изящные линии и одежда, которую они носят, создают символизирующий их единство круг – основу композиции. Центр композиции – чаша с головой принесенного в жертву теленка, которая намекает на жертву распятия и служит напоминанием о Таинстве Евхаристии. Бог Отец десницей, сложенной в благословенном жесте, как будто передает чашу центральному ангелу, который также благословляет чашу и принимает ее с поклоном.

Природа каждой из трех ипостасей раскрывается через символические атрибуты и цвета одежды. Дуб Авраама над ангелом в центре можно интерпретировать как дерево познания добра и зла в Эдемском саду, оно также относится к кресту, на котором распяли Христа.

Таким образом, центральный ангел воплощает Иисуса. Это подчеркивает и красный цвет туники ангела, символизирующий Страсти Христовы. Дом на заднем плане над левым ангелом, – это и дом Авраама, и вечный дом. Гора за правым ангелом – гора Фавор, библейское место, где сошел Святой Дух. Хламис правого ангела зеленого цвета, что связывает его с праздником Пятидесятницы, когда Святой Дух сошел на последователей Христа.

Живопись 18 века

Коренной перелом произошел в русском искусстве в 18 столетие – Петровскую эпоху. В проекте царя-реформатора по модернизации страны и уравниванию ее в культурном отношении с европейскими странами, искусство имело особое значение как способ иллюстрации достижений русской цивилизации. Он привлекал в Россию зарубежных художников и отправлял талантливых молодых русских художников (пансионеров) учиться мастерству в Италию, Францию, Англию и Нидерланды.

Западное влияние очень робко, но уже проявлялось в парсунах и у иконописцев 17 века, в частности у таких авторов, как Карп Золотарев, который в своем творчестве оригинальным образом сочетал итальянско-голландскую школу барокко с русско-византийской традицией.

Но в правление Петра оно было беспрецедентным. В живописи утвердилась эстетика барокко, она полностью посвящалась светским сюжетам, без тени византийского архаизма, но с национальными особенностями. Русские художники, которые обучались за границей, прекрасно понимали технические и стилистические принципы западноевропейской живописи. В этот ранний период развития русской светской живописи два художника занимают особенное положение в рождении новой русской живописи – Андрей Матвеевич Матвеев и Иван Никитич Никитин.

Во второй половине 18 века был достигнут огромный художественный прогресс, который непосредственно привел к великим достижениям русской живописи 19 века. Хотя ещё преобладали декоративные произведения (настенная живопись и портретное искусство), развивается архитектурный портрет и топографический пейзаж, а также собственно пейзаж.

Первые русские пейзажисты увлекались парками, позднее – дворцами и особняками. Композиции архитектурных сцен составлялись в соответствии с заповедями Джованни Паоло Паннини, и видное место в росписях дворцовой архитектуры стали занимать руины с усеченными колоннами. Постепенно то как руины, которые могли располагаться в естественном ландшафте, привело к пониманию пейзажа как такового.

Известные художники Третьяковской галереи и их шедевры в ГТГ – Россия, 18 век:

• Четыре русских живописца продолжили линию, начертанную Матвеевым и Никитиным, в их стремлении к реализму и натурализму, и им удалось создать великолепные произведения: Иван Вишняков (портрет императрицы Елизаветы Петровны), Алексей Антропов (портрет княгини Татьяны Алексеевны Трубецкой, портрет графини Марии Андреевны Румянцевой), Иван Петрович Аргунов (Портрет неизвестной в русском костюме), Антон Павлович Лосенко (Прощание Гектора с Андромахой)
• Кирилл Головачевский (Портрет Софьи Матюшкиной)
• Иван Фирсов (Юный живописец)
• Федор Рокотов (Коронационный портрет Екатерины II, Портрет Александры Петровны Струйской)
• Дмитрий Левицкий (Портрет графини Урсулы Мнишек, Портрет Прокофия Акинфиевича Демидова)
• Последователи Антона Лосенко – Петр Иванович Соколов (Дедал привязывает крылья Икару), Иван Акимов (Великий князь Святослав, целующий мать и детей своих по возвращении с Дуная в Киев), Григорий Угрюмов (Призвание Михаила Федоровича Романова на царство 14 марта 1613 года)
• Алексей Бельский (Архитектурный вид)
• Семен Щедрин (Вид Каменноостровского Дворца через Большую Невку со стороны Строгановской набережной) – художник, которого можно назвать первым русским пейзажистом

Среди знаковых произведений, которые стали поворотными в развитии русской портретной живописи – самое поэтическое творение Владимира Лукича Боровиковского Портрет Марии Лопухиной, написанный в 1797 году. Портрет, на котором изображена Мария Ивановна Лопухина, представительница графского рода Толстых, – высшее достижение сентиментализма в русской живописи. Культ простоты и естественности, присущие этому направлению, стремление к единению с природой в противовес условности выражены здесь с особой полнотой.

Русские живописцы-пейзажисты 18-первой половины 19 века

Современник Семена Щедрина Михаил Матвеевич Иванов (1748-1823), которому принадлежит значительная роль в развитии русского пейзажного жанра, был послан в Крым, чтобы писать сражения Русско-турецкой войны 1787-1791. Оказавшись там, его взволновали виды лучших в мире пейзажей, и он обратил свои усилия на изображение природы. В искусстве его имя связано с традицией совмещения «пейзажа с батальной живописью».

Иванов избегал формализма, архитектурных и декоративных украшений, сосредоточиваясь на природе в ее самых естественных аспектах. Основное собрание произведений Михаила Иванова сохраняет Государственный Русский музей в Санкт-Петербурге, в ГТГ может находиться картина с видом Бендерской крепости, написанная акварелью, также Крепость-монастырь в Грузии.

Прекрасным пейзажистом был Федор Михайлович Матвеев (1758-1826). В свои поэтичные произведения он неизменно включал какой-нибудь захватывающий воображение объект – водопад или древние руины. Вид Рима. Колизей

Федор Яковлевич Алексеев, основоположник русского городского пейзажа, крупнейшего мастера русской ведуты, заслужил имя русского Каналетто, работами которого сам Алексеев восхищался. Известный художник провел несколько лет в Венеции, где совершенствовался как театральный художник, и влияние этого города с его декоративной эстетикой сильно повлияло на развитие стиля.

По возвращению в Петербург он был назначен декоратором Императорских театров. Находясь в этой должности, Алексеев написал самые прекрасные городские пейзажи. Как и Пушкин, Алексеев был одержим величественной красотой города на Неве. Он писал его с тем же обожанием, что и Александр Бенуа в начале 20 века.

Виды Петербурга были настолько завораживающими, что по повелению Павла I Федор Алексеев в 1800 году был послан в Москву, чтобы запечатлеть наиболее живописные аспекты древней столицы, интерес к которой начал возрождаться на рубеже веков. Поскольку ему пришлось работать и как топографом, он не смог полностью отдаться своим желаниям как художника.

Серия картин, посвященных Москве, менее поэтична, чем петербургская, она более точна и подробна. Но в обоих случаях Алексеев предстает реалистом, пусть и романтическим, задавая эталон плеяде художников следующего поколения. Работы Федора Яковлевича Алексеева в ГТГ.

Живопись 19 века

В коллекции Третьяковской галереи такие шедевры русской живописи 19 века как Кружевница Василия Тропинина, портрет А. С. Пушкина, написанный Орестом Кипренским, Веранда, обвитая виноградом Сильвестра Щедрина После грозы Федора Васильева, На пашне. Весна Алексея Венецианова, Неравный брак Василия Пукирева, Свежий кавалер Павла Федотова, Девочка с персиками Валентина Серова и многие другие

Мифологическая и историческая живопись представлена Федором Бруни, Василием Тиммом, пейзажное искусство – Алексеем Венециановым, Никифором Крыловым, Григорием Сорока, натюрморт – Иваном Хруцким, Капитоном Зеленцовым, Алексеем Тырановым.

Явление Христа народу Александра Иванова (зал 14)

Огромная композиция, над которой художник продолжал работать 20 лет. Полотно Явление Христа возвестило новый этап в русской религиозной живописи – реализм. Когда в 1858 году картина была представлена публике, Федор Бруни, который на тот момент считался наиболее верным толкователем русской исторической живописи религиозного характера, назвал наготу фигур «нехристианской».

Иванов писал Николаю Чернышевскому, что он стремился «объединить технику Рафаэля с идеями современной цивилизации – в этом роль искусства в настоящее время». Иванов сосредотачивается на реакции наблюдателей на приход мессии, тогда как фигура Христа отходит на задний план.

Таким образом, послание Христа он делает актуальным для современного зрителя. Это была инверсия традиционной иерархии религиозных деятелей, поскольку Иванов писал картину в академической манере, но вместе с тем с беспрецедентной аутентичностью.

При подготовке к написанию полотна он посещал синагоги, читал отчеты паломников в Святую Землю, делал зарисовки на пленэре и даже собирался посещать Палестину. Иванов знал Библию практически наизусть. Он прочитал книгу Жизнь Иисуса Давида Фридриха Штрауса, в которой говорится о значении Христа как реально существовавшего человека, и отправился в Германию, чтобы встретиться с автором.

Все эти действия сигнализируют о духовной свободе и индивидуальности художника, повороте от умозрительного опыта к жизненному. Исследования Иванова привели к знакомству с назареями, группе немецких художников-романтиков, сформированной в 1809 году. Они оказали на Иванова значительное влияние, разделяя его интерес к религиозному искусству Джотто и Фра Анджелико.

Однако Явление Христа не имело того религиозного воздействия, на которое рассчитывал Иванов. Скорее, протореализм Иванова остался его неизменным наследием, но исследование духовного в творческом процессе на этом не закончилось. Иванов положил начало традиции художника-пророка, предвещая духовно ориентированных художников и мыслителей Серебряного века.

Всадница Карла Брюллова

Двойной портрет Джованнины и Амалиции Пачини, дочерей композитора Джованни Пачини, друга Брюллова, и воспитанниц графини Юлии Самойловой, с которой художника связывали романтические отношения. Картина была написана во время первого пребывания Брюллова в Италии и воспроизводит аристократическую атмосферу посредством изысканных деталей.

Написанная в 1832 году работа была в том же году выставлена в пинакотеке Брера в Милане и вызвала восхищение публики. Обращают внимание дисгармоничные цвета, (в живописи сложно сочетать белый, розовый, черный). Но у Брюллова проработано все тщательным образом, чтобы довести каждый оттенок до гармоничного соответствия.

Княжна Тараканова Константина Флавицкого

Смерть княжны Таракановой была написана для выставки Академии художеств в 1864 году. Эта картина сделала художника известным широкой публике, и принесло звание профессора. Авантюристка, выдававшая себя за дочь императрицы Елизаветы Петровны и графа Александра Разумовского, называла себя разными именами; «княжна Тараканова», имя, данное самозванке французским дипломатом Жан Анри Кастером в книге «Жизнь Екатерины II, императрицы российской». Она умерла от туберкулеза 4 декабря 1775 года в Петропавловской крепости, но так и не раскрыла тайну своей настоящей личности.

Ходили разные слухи о смерти Таракановой. Один из вариантов увековечил в своей картине Константин Флавицкий – княжна Тараканова погибла в 1777 году, когда Петропавловская крепость была затоплена в результате наводнения, третьего по величине в истории Петербурга (вода поднялась на 310 см).

Глядя на полотно, почти физически ощущаешь себя в мрачном и сыром каземате. Ледяная вода, хлынувшая из тюремного окна, заливает камеру, она вот-вот затопит кровать, по которой карабкаются мокрые крысы. Прислонившись к стене, на кровати стоит молодая женщина. Голова ее запрокинута, глаза полузакрыты, волосы распущены, руки бессильно свисают. Поза, изможденное лицо – все говорит о том, что силы покидают ее.

Передвижники

В ГТГ сохраняется много работ передвижников. Павел Третьяков в свое время приобрел многие произведения разносторонне одаренных художников, входивших в ТПХВ, которые впоследствии легли в основу коллекции Третьяковки.

Члены движения передвижников работали в разных жанрах – создавали пейзажи портреты, историческую живопись и бытовую живопись – но всех их объединяла одна цель – изображать жизнь в России такой, какой она была в реальности. Они оказали глубокое и разностороннее влияние на русскую живопись. Отличие искусства движения передвижников от классицизма и романтизма в том, что живопись впервые русском искусстве сосредотачивалась на событиях и противоречиях общества.

Третьяковская галерея коллекция произведений художников-передвижников – известные картины

• Иван Крамской: Портрет Льва Толстого; Неизвестная; Неутешное горе
• Николай Ярошенко, которого за порядочность и принципиальность прозвали «совестью передвижников»: Всюду жизнь; Портрет Пелагеи Стрепетов (русская трагическая актриса, исполняла роли бедных и униженных, измученных жизнью женщин, и эти роли оставили свой след в ее портрете),
• Василий Суриков: Боярыня Морозова; Меншиков в Березове; Утро стрелецкой казни
• Виктор Васнецов: Аленушка; Витязь на распутье
• Николай Ге: Что есть истина? Христос и Пилат
• Василий Максимов: Больной муж; Все в прошлом
• Владимир Маковский: Варят варенье
• Михаил Нестеров: Видение отроку Варфоломею
• Архип Куинджи: Березовая роща

Диапазон тем жанровой живописи был чрезвычайно широк, охватывая работы, изображающие повседневную жизнь города и крестьянскую жизнь. После отмены крепостного права крестьяне получили свободу, но не получили права собственности на землю. Соответственно они не имели средств к существованию.

Многие бывшие крепостные отправлялись в города, чтобы заработать, но часто вынуждены были влачить жалкое существование. Менялся традиционный уклад, затрагивались семейные отношения. Классический пример такой перемены в привычном образе жизни иллюстрирует картина Василия Максимова картина Семейный раздел в крестьянском быту.

Константин Маковский большую часть своего творчества посвятил отражению городской жизни. В картинах Свидание и На бульваре ему удалось показать глубочайшие трагедии общества: обреченность и отчужденность, нищета, в которой оказались самые уязвимые члены общества – дети.

Многие передвижники, будучи универсальными художниками, успешно работали в разных жанрах. Иван Крамской, Николай Ге, Василий Суриков – прекрасные портретисты и живописцы исторического жанра. Василий Поленов работал в пейзажном и историческом жанре, Константин Ярошенко – в портретной, пейзажной и жанровой живописи.

Несмотря на многогранность, сюжеты, герои, образы русской природы и человеческой судьбы всегда оставались главными темами их творчества. Работая над этими мотивами, каждый художник раскрыл собственное понимание фундаментальных проблем человеческого существования. Василий Поленов и Виктор Васнецов, помимо станковой живописи, посвящали много времени возрождению живописи театральных декораций, заложив тем самым фундамент традиции русского театрального декора, достигшего своего расцвета на рубеже 19 и 20 века.

Красота русской природы запечатлена в произведениях Алексея Саврасова, Ивана Шишкина, Василия Поленова, Архипа Куинджи, Исаака Левитана. Вся гамма – зеленые равнины, залежные поля под дождем, бесконечные проторенные дороги, узкие тропинки, тянувшиеся из разных уголков бескрайней земли, густые леса, непроходимые заросли, маленькие озера, скрытые рощи…

Маленькая картина Грачи прилетели Алексея Саврасова впервые экспонировалась на выставке 1871 года, и поразила зрителей. Впервые они увидели равнинный местный пейзаж, не похожий на цветущую итальянскую красоту, типичную для художников-классиков и романтиков. Ощущение пробуждающейся после зимы природы: вздымающиеся облака и мягкий свет, исходящий от голубого неба, суета птиц, вьющих гнезда на обнаженных ветвях и возвещающих о весне, – все это не может не располагать, вызывая чувство очень дорогого сердцу, как знакомая сцена из детства.

Очень характерная картина Рожь Ивана Шишкина воспевает истинную красоту и величие русской природы. Художник выбрал типичные мотивы среднерусского пейзажа: ржаное поле, дорога, могучие дубы. В композиции правильное соотношение между небом и землей, передним и задним планом, комбинация света. Все эти детали создают грандиозные образы, влияющие на чувства зрителя.

Большая заслуга передвижников в создание жанра «пленэрного этюда». Лучшие представители – Василий Поленов и Исаак Левитан. В картинах Московский дворик и Бабушкин сад Поленов выступает как тонко чувствующий, лирический рассказчик. Левитана, по силе и мощи его таланта, вкладу в пейзажный жанр, можно сравнивать с Репиным. Его огромное творческое наследие дает представление о широте его интересов в ландшафтном пейзаже. Некоторые произведения пронизаны лирикой, другие передают эпические сообщения.

Василий Перов

Особую роль в становлении критического реализма в русском искусстве сыграло творчество Василия Перова.

Сельский крестный ход на Пасхе (1861) – произведение, которое стало вехой в установлении социально-сознательного стиля. Он критикует священников, которые должны нести веру людям, но не заслуживают быть учениками Господа на Земле. Картину запретили демонстрировать на выставке Общества поощрения художников в Санкт-Петербурге из-за оскорбительного содержания, а именно изображения пьяных священников.

Перов написал ряд знаменитых жанровых картин (почти все были куплены Павлом Третьяковым и находятся в собрании Третьяковской галереи, картинный зал 16). Среди них такие шедевры как Приезд станового на следствие, Сцена на могиле, Утопленница, Охотники на привале, Птицелов, Рыболов, Чаепитие в Мытищах, близ Москвы, Трапеза, Проводы покойника, Приезд гувернантки в купеческий дом, Тройка, Спящие дети, Отпетый, Старики-родители на могиле сына.

После периода разоблачений человеческих грехов и пороков Перов обращается к печальной истории действительности. Проводы покойника – исключительный художественный рассказ, свободный от какой-либо идеализации. Судьба персонажей вызывает неподдельное сочувствие и сострадание зрителя. Большую роль играет изображенный пейзаж, формирующий настроение картины.

В 1870х Перов пишет людей, радующихся простым вещам и увлечениям – рыбаков, охотников. Но Перов не ограничивался только жанровой живописью, в конце 1860х он обращается к психологическому портрету, открывающему сложный внутренний мир человека. Он прочитывал душу каждого человека, который ему позировал, разрушал все общепринятые правила, которых придерживались другие портретисты, и был непревзойденным мастером любого типа портрета. Одна серия, написанных Перовым портретов, изображает в основном крестьян, другая представляет известных деятелей культуры, среди которых самые знаменитые – портреты Достоевского и Островского.

Василий Перов

Илья Репин

Илья Репин – величайший русский художник 19 века, произведения которого можно рассматривать как энциклопедию русской жизни с ее героями и событиями. Наиболее полно его талант раскрылся в жанровой и портретной живописи. Он был первым в истории искусства, кто вглядывался в лица изображенных людей, чтобы понять, кто они такие. Он не идеализировал своих героев, а раскрывал их индивидуальность.

Крестный ход в Курской губернии – полотно, которое отличается деталями, характерными для современного Репину времени. Одна из особенностей русского искусства второй половины 19 века – создание монументальных полотен, чтобы зритель мог проанализировать действительность и увидеть историческую эволюцию русского народа.

Этот прием показывал, что жанровая живопись оказалась столь же мощной и важной как и историческая живопись. Композиция картины построена таким образом, что зритель почти ощущает как эта многокультурная толпа, которая движется вперед, вот-вот сокрушит его. Уделяя большое внимание индивидуальности каждого персонажа, Репин демонстрирует огромное разнообразие типов и характеров.

Репин был художником, который постоянно искал новые темы, образы, средства выражения, в своих произведениях он обращался к общественно-политическим настроениям, к революционным событиям. Политика террора, проводимая революционными организациями, повлекла за собой жестокие убийства некоторых видных политиков и убийство императора Александра II в 1881 году. Это привело к жесткой реакции со стороны правительства.

По мере того как страна все больше и больше погружалась в кровь невинных жертв, отношение к революционерам в обществе постепенно менялось. Революционную деятельность часто сравнивали с мученичествами святых, отдавшихся свои жизни за веру.

Впечатленный этими идеями Репин пишет народническую серию картин – Сходка, Перед исповедью, Не ждали (которую современники связывали с притчей о возвращении блудного сына), Арест пропагандиста.

 

В 1880-е годы Репин пишет портреты, которые составляют существенную часть его художественного наследия. Увлечение жанровой и портретной живописью оставляло мало времени для исторической живописи. Тем не менее, Репин создает один из величайших шедевров – Иван Грозный и сын его Иван. Яркое экспрессионистское изображение Ивана, в ужасе обнимающего своего умирающего сына, которого он смертельно ранил в неконтролируемом приступе гнева, оставляет неизгладимое впечатление. Выставка «Илья Репин» в ГТГ

Современное искусство

В коллекции Третьяковки представлены произведения художников модерна (Михаил Врубель, Борис Кустодиев, Константин Сомов и др.), всех направлений русского авангарда (кубофутуризм, лучизм, неопримитивизм, супрематизм, конструктивизм), социалистического реализма. Экспозиция включает реконструкцию известной выставки ОБМОХУ 1921 года. Представлены современные формы искусства: инсталляции, фотографии и концептуальное искусство.

Михаил Ларионов и Наталья Гончарова – основоположники русского авангарда

Революционный художник и яркая личность, Михаил Ларионов оживил художественную сцену начала двадцатого века. Стремясь открыть самостоятельный русский стиль искусства, способный конкурировать с авангардным движением Европы, он подготовил почву для русского конструктивизма. Развитие творчества Ларионов долгое время ускользало от понимания историков искусство, отчасти потому, что он датировал многие свои произведения, декорации и графические работы задним числом. Начинал он как художник-импрессионист.

Новая Третьяковка выставки: Экскурсия по выставке «Михаил Ларионов»

Во время учебы в Московском училище живописи, ваяния и зодчества между 1901 и 1909 годами Ларионов познакомился с Натальей Гончаровой, и между ними началось сотрудничество и партнерство длиной в жизнь. Они проповедовали идеи кубофутуризма неопримитивизма и лучизма.

Вдохновленный в начале своей карьеры французскими фовистами и первобытным искусством, Ларионов в своей попытке создать подлинно русское искусство заимствовал образы из сибирского шаманизма и археологии, а также иконописи.

Очарованный русской провинциальностью Михаил Ларионов увлекался вывеской и лубком, в результате появились Провинциальная серия, Венеры и Солдатская серия. Важно то, что он не стилизовал, а смотрел на все глазами настоящего примитивиста. Он сочетал примитивистский подход с утонченным художественным чувством и великолепной техникой (уроки Михаила Ларионова онлайн).

Между 1912 и 1914 годами, Ларионов инициировал районизм (лучизм), в котором лучи света пересекаются для создания динамических цветовых плоскостей. Лучизм, принципы которого изложены в трех манифестах Ларионова 1913 года, был первым появлением почти абстрактного искусства в России. Вдохновленный кубизмом, итальянским футуризмом и современными научными идеями он играл на концепции четвертого измерения.

С самого начала развития направления Ларионов подчеркивал символическую и визуальную силу света и сияния, опровергая влияние импрессионизма и постимпрессионизма. Однако, модернизируя исследования света 19 века, он объяснял, что «мы видим не сами объекты, а исходящие от них лучи, которые показаны на картине цветными линиями».

Световые лучи исходят от объектов и окружающей среды, и в результате объект и его окружение интегрируются в окружающую среду. Подобно кубизму, различие между объектом и его пространством сложное, однако лучисты мотивировались метафизическими интересами в четвертом измерении и поиском единого выражения энергии, превосходящей конкретный объект.

Петух и курица – произведение реалистического реализма. Хотя объекты на картине едва различимы, истинный сюжет – их слияние с пространством фона и интегрирование в лучах света и векторах энергии.

Павлин под ярким солнцем (стиль египетский) Натальи Гончаровой – картина из серии «Павлины», в которой Гончарова сочетает элементы древнеегипетского стиля и русского народного искусства с лучизмом.

Социалистический реализм

Социалистический реализм – официальный стиль советского искусства в период с 1932 по 1988 год. Он возник как результат усилий государства по систематизации контроля над искусством, по словам культурного идеолога Андрея Жданова, чтобы осуществить «идеологическое преобразование и образование трудящихся в духе социализма».

С этой целью произведения соцреализма должны были изображать светлое коммунистическое будущее, а не реальные условия советской жизни. На Западе социалистический реализм отвергался как коммунистический китч, просто политическая пропаганда, монолитная по форме и лишенная художественных достоинств. Возможно, эта критика оправдана в ряде случаев, но явно не относится ко всем произведениям социалистического реализма.

Социалистический реализм – это впечатляющий диапазон техник, тем и жанров, и, конечно, техническая виртуозность многих художников, которые изобретательно преодолевали границы соцреализма, создавая выдающиеся произведения и умея поставить под сомнения утопический посыл стиля. Стилистически социалистический реализм наследовал традиции реалистической живописи.

Борис Владимирович Иогансон, автор знаменитой картины Допрос коммунистов, говорил, что достижения живописи соцреализма не в стилистических нововведениях, а в «постановке картины». Картины соцреализма в какой-то степени напоминают кадры из советских фильмов, где герои представлены как архетипы, населяющие счастливое социалистическое государство. Сытые и неутомимые крестьяне, бесстрашные лидеры, дальновидные ученые, легендарные исследователи…

Как и любое направление в искусстве в истории, социалистический реализм поддерживал художников, обладающих техническими навыками и видением. Но стоит признать, что только в относительно недавней истории мировое искусство в целом стало свободным от политической пропаганды.

Исаак Бродский, создавший одно из самых знаковых произведений искусства социалистического реализма Ленин в Смольном, – невероятно талантливый художник, работавший в стиле, который накладывал тематические и формальные ограничения. К 1940м и 1950м годам многие художники, которые родились при советской власти, создавали стабильные образы. Тем не менее, некоторые продолжали находить и вводить новшества любыми доступными для них средствами, обращаясь, например, к эффектам освещения или технике импрессионизма как способам индивидуализации своих работ.

Другой выдающийся мастер эпохи соцреализма – Юрий Пименов. Называя себя «реалистическим импрессионистом», он старался запечатлеть каждый момент: как люди начинают утро, как они возвращаются домой. Множество его картин изображают контрастные городские пейзажи Москвы.

Даешь тяжелую индустрию – стилистически произведение представляет собой поразительную смесь мотивов соцреализма и ранних авангардных влияний Пименова, типичных для раннего периода движения. Родившись в 1903 году, Пименов был слишком молод, чтобы участвовать в авангардной деятельности 1910х годов, но преувеличенные, вытянутые и извилистые формы фигур рабочих выражают его долг перед немецким экспрессионизмом; почти коллажный вид, созданный смелыми и отчетливыми блоками цвета, немного напоминает конструктивистский фотомонтаж; машинная эстетика благоухает авангардным духом кубофутуризма.

В то же время, произведение воплощает в себе тематические нормы социалистического реализма: промышленная мощь нового советского государства, прославление коллективного труда.

Самое известное произведение Юрия Пименова – Новая Москва (1937), картина в широком смысле импрессионистская по стилю. Несмотря на строгое соблюдение принципов социалистического реализма, работа Пименова указывает на то, что стилистические эксперименты продолжали практиковаться.

Гелий Коржев – один из основателей движения «Суровый стиль», которое отличалось от детального подхода реализма 1940х и 1950х годов минималистичным и точным изображением. Однако эту честь ни он, ни Виктор Иванов, еще один крупный художник, признанный отец движения, не приняли, приписывая ее более раннему поколению советских художников, таких как Александр Дейнека и Кузьма Петров-Водкин.

Каждое полотно Коржева – поистине глубокое и самостоятельное произведение искусства, будь то тема Второй мировой войны, острый социальный комментарий (Тюрлики – реакция на бурное начало 90-х в России), библейские темы или яркие натюрморты.

Как добраться до музея (музей закрыт до 15 января 2021 года).

Посещение: правила

Как попасть в Третьяковку самостоятельно? В историческое здание в Лаврушинском переулке проще всего попадать, пройдя несколько минут, от станции метро Третьяковская или Полянка. До здания Новой Третьяковки на Крымском Валу можно самостоятельно добраться от станции метро Парк Культуры, Октябрьская или Полянка.

---

Автор: Элла Михайленко