Русский музей – храм российского искусства и культуры. Экспозиции Русского музея представляют важные вехи развития русской живописи, начиная с иконописи 12 века и заканчивая авангардом и социалистическим реализмом. Путешествие по музею не только познавательно, оно дает понимание русской культуры на протяжении веков.
История главного здания музейного комплекса
Государственный Русский музей – это большой музейный комплекс, охватывающий несколько зданий и парковых садов, которые вызывают восхищение своей архитектурой – Строгановский дворец, Мраморный дворец, Михайловский замок и Летний дворец Петра I. Отправной точкой маршрута в истории искусства России является главное здание музейного комплекса – великолепный Михайловский дворец и его западным корпусом, зданием, известным как Корпус Бенуа, построенным по проекту архитектора Леона Бенуа.
Построенный в 1825 году по проекту Карло Росси он представляет прекрасный образец величественного русского неоклассицизма. Идея строительства роскошной резиденции принадлежит императору Павлу I. В 1798 году император выделил средства для строительства дворца, после рождения младшего сына – великого князя Михаила Павловича. По замыслу императора, «дабы сын, достигнув совершеннолетия, по крайней мере, мог жить по-царски». Убитый в Михайловском замке 24 марта 1801 года Павел I не смог реализовать свою идею.
Желание императора было реализовано его старшим сыном, императором Александром I, когда Михаилу исполнился 21 год, в 1819 году началось строительство дворца. Михайловский дворец оставался великокняжеской резиденцией до кончины Михаила Павловича в 1849 году. После смерти великой княжны Екатерины Михайловны, внучки Павла I, в 1894 года дворец перешел ее детям Георгу, Михаилу и Елене, герцогам и герцогиням Мекленбург-Стрелицким, что создало политическое затруднение. Технически они были поданными герцогства Мекленбург-Стрелиц, но Михайловский дворец должен был оставаться собственностью семьи Романовых.
Дворец решил купить император Александр III и основать в нем институт имени великой княжны Ксении Александровны, его дочери. Но Александр, которому не было и пятидесяти, умер 21 сентября 1894 года. Его сын и преемник Николай II поручил министру финансов Сергею Витте организовать покупку Михайловского дворца. 20 января 1895 года дворец снова перешел в руки Романовых. Николай II предпочел оставаться в Зимнем дворце, а предполагаемый институт имени великой княжны Ксении Александровны занял Николаевский дворец. Тогда Витте предложил, что Михайловский дворец станет подходящим местом для музея русского искусства имени императора Александра III. Николай II согласился.
Именным Высочайшим Указом российский император основал Русский музей императора Александра III и передал в его распоряжение комплекс Михайловского дворца. Музей находился в ведении великого князя Георгия Михайловича, а под руководством профессора Михаила Боткина была создана комиссия по перестройке дворцовый интерьеров в музей, которую осуществил Василий Федорович Свиньин в 1895-1898 годах.
Коллекции
В постоянных экспозициях, составляющих основную часть собрания Русского музея, представлены произведения русского искусства от иконописи до социалистического реализма. Русский музей сохраняет крупнейшую коллекцию русского авангарда.
Русский музей известные картины:
- Последний день Помпеи Карла Брюллова
- Девятый вал Ивана Айвазовского
- Бурлаки на Волге Ильи Репина
- Запорожцы Ильи Репина
- Самая большая картина в Русском музее (размер: 400 × 877 см (35 м²)) – Илья Репин, Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года в честь столетнего юбилея со дня его учреждения
- Трапеза Василия Петрова
- Рыбаки Григория Сорока
- Христос и грешница Василия Поленова
- Лунная ночь на Днепре Архипа Куинджи
- Женщина в окне Василия Тропинина
- Великий постриг Михаила Нестерова
- Корабельная роща Ивана Шишкина
- Витязь на распутье Виктора Васнецова
- Портрет Зинаиды Юсуповой Валентина Серова
- Заморские гости Николая Рериха
- Бабы Филиппа Малявина
- Купчиха за чаем Бориса Кустодиева
- Портрет В.Э.Мейерхольда Бориса Григорьева
- Шестикрылый серафим Михаила Врубеля
- Прогулка Марка Шагала
- Супрематизм Малевича
- Композиция №223 Василия Кандинского
Древнерусское искусство
Собрание древнерусского искусства представлено предметами декоративно-прикладного искусства, мелкой пластики, скульптуры. Но основная часть собрания – иконы. Коллекция икон Русского музея насчитывает около пяти тысяч произведений 12–начала 20 века, как известных иконописных школ, так и произведения провинциальных мастеров.
Икона для православных всегда была большим, чем искусство. Икона символизирует мост между земным и божественным. Православие разработало детальную иконопись с определенными канонами, которых придерживался каждый иконописец. Правила не прописывались, но передавались из поколения в поколение от мастера к ученику. От иконописцев ожидалось, что они будут копировать общепринятый образ византийской традиции настолько точно, насколько это возможно. Тем не менее, каждое новое поколение иконописцев вносило свой вклад в развитие жанра, создавая свой особый стиль.
Знаменитые иконы Русского музея:
- Ангел Златые Власа
– одна из старейших русских икон, на которой изображен архангел Гавриил, датируемая второй половиной 12 века. Большинство ученых относит ее к новгородской школе. Возможно, она была перевезена в столицу из Новгорода во время правления Ивана Грозного. Название связано с золотыми волосами архангела, выполненными в технике ассист, с использованием сусального золота. Вдоль волос проложены золотые нити, что заставляет сиять ангела «небесным» светом, символизируя Царство Христово. - Богоматерь Умиление (Белозерская) конца 13 века – тип иконописи, в котором Иисус прижимается к щеке Богоматери.
- Святые Борис и Глеб, начало 14 века, московская школа. Хотя она не имеет прямой связи с византийским искусством, но провозглашает ренессансный стиль Палеологов.
- Русский музей самое интересное: Чудо Георгия о змие, новгородская школа 14 века. Красный фон и точный жест воина, вонзающего копье в пасть дракона, придают этой иконе эмоциональный и динамичный характер. Ореол святого напоминает о его духовности в победе Добра над Злом.
- Сошествие во ад Дионисия , ведущего иконописца московской школы на рубеже 15 и 16 веков. Его стиль иногда называют «московским маньеризмом».
- Троица Ветхозаветная Симона Ушакова. Русский музей интересные факты: творчество Семена Ушакова ценили при царском дворе, и меньше Православная церковь. Она видела непристойные черты западного общества в созданных им ликах. Оставив в стороне противоречия, иконы Семена Ушакова, если сравнивать их с суровыми изображениями иконописцев прошлого, стали поворотным моментом в русском искусстве.
Имена мастеров иконописи история не сохранила. Иконопись – консервативна по своей природе, во многих случаях считается ремеслом, в котором художник – инструмент для воспроизведения. Иконописцы не стремились к славе, они считали себя смиренными божьими слугами. Иконы описываются региональной школой и типом изображения.
Живопись 18 – первой половины 19 века
Это наиболее полная коллекция музея включает полотна, которые составили основу собрания при формировании Русского музея. К началу 18 века значительного статуса достигла портретная живопись, но в эстетических рамках древнерусского искусства. Развился стиль живописи, который находился где-то между иконописью и парсуной (вид портретной живописи, сочетающий стилистические качества и приемы традиционной русской иконописи и европейского светского портрета).
В коллекции музея работы основателя жанра русский портрет Андрея Матвеева, основателя русской портретной школы Ивана Никитина, портреты Федора Рокотова, Ивана Аргунова, Ивана Вишнякова, Дмитрия Левицкого, Владимира Боровиковского, придворного живописца при дворе Петра I Иоганна Готфрида Таннауэра и другие.
Портретный стиль Дмитрия Левицкого и его шедевры
Творчеству мастера камерных и парадных портретов Дмитрия Левицкого посвящен один из залов Русского музея. Он самый универсальный художник своего времени, как сюжетно, так и с точки зрения композиции. Эти качества сделали его знаменитым на Западе, где Левицкого называли «русский Гейнсборо». Много заказов было получено от Екатерины; портреты императрицы и ее подданных должны были усилить гуманистические достижение и политические успехи ее правления.
По заказу Екатерины популярный в свою эпоху художник выполнил портреты воспитанниц Смольного института благородных девиц, основанного императрицей. Серия из семи портретов Смолянки украшала Большой дворец в Петергофе, пока не была приобретена Русским музеем. Самая известная картина серии – Портрет Хрущовой и Хованской, в котором девочки разыгрывают перед императрицей сцену из пьесы Нинетта при дворе Шарля-Симона Фавара.
Портрет архитектора Александра Филипповича Кокоринова был написан для реорганизованной Академии художеств в 1770 году. По замыслу, это парадный портрет. К торжественному празднованию закладки Академии Кокоринов заказал шитый золотом камзол и белый атласны кафтан, отороченный соболем, что дало возможность Левицкому проявить мастерство в передаче в передаче фактуры тканей. Несмотря на жанр парадного портрета, Левицкий написал модель в независимой позе, слегка вальяжной с оттенком усталости. План Академии художеств разложен на роскошном бюро перед ним.
Антон Лосенко – основоположник исторической живописи
В то время как его предшественники в основном были портретистами, Антон Лосенко, представитель классицизма, пробовал себя в историческом жанре. Владимир и Рогнеда – первый живописный пример на исторический сюжет в России, почерпнутый из «Древней российской истории» Михаила Ломоносова. Новгородский князь Владимир просит руки полоцкой княжны Рогнеды. Получив отказ, он начинает войну с полоцким княжеством, убивает ее отца, полоцкого князя Рогвольда, и братьев. Рогнеду он силой берет в жены. В соответствие с идеалами нравственности и гуманизма эпохи Просвещения и критикой деспотизма Лосенко изображает момент покаяния, когда Владимир просит прощения за свои деяния. История картины
Развитие живописи в 18-начале 19 века
Портретная живопись восемнадцатого века в России отражала доминирующее в то время понимание общества: мужчины и женщины рассматривались в первую очередь как типы (представители социального класса). Все изменилось с портретами Ореста Кипренского. Теперь взгляд художника был направлен на отдельного человека с его особыми обязанностями перед обществом и самим собой. Несмотря на то, что Кипренский учился на художника исторического жанра (Дмитрий Донской на Куликовом поле), он сосредоточился на портретной живописи. Его портретные произведения – замечательные примеры растущего самосознания, характерного для романтического движения. Об этом свидетельствует его Портрет Евграфа Владимировича Давыдова.
В начале 19 века Императорская Академия художеств под руководством Александра Строганова пережила свой расцвет. Неоклассицизм вступил в наиболее яркую фазу, огромное влияние на русскую живопись оказал Жан Югюст Доменик Энгр. Однако, со временем это влияние потеряло силу и на протяжении столетия в русской живописи наблюдаются разные стилевые направления. За ослабление неоклассического канона выступает романтизм. Предпочтение отдается камерным портретам с психологическими характеристиками, идиллическим средиземноморским пейзажам, историческим сценам, полным драматизма. Искусство выходит за пределы императорского двора, охватывая более широкие круги населения.
Сильвестр Щедрин
Сильвестр Щедрин – выдающийся мастер русского пейзажа эпохи романтизма. Один из первых он начал писать пейзажи с натуры, создавая сложные световые и колористические эффекты, отражая идею единства человека и природы. Его работы, вызывающие восхищение потомки, стали классикой русской школы пейзажной живописи. С 1818 года и до смерти Сильвестр Щедрин жил в Италии, отправляя созданные произведения в Санкт-Петербург. В Риме, Неаполе Щедрин общался с местными художниками, и его творчество оказало влияние на южно-итальянскую пейзажную школу Позиллипо, которая объединяла художников Италии, Германии и Голландии.
Карл Брюллов в Русском музее
Карл Брюллов – самый знаменитый художник своего времени и первый русский живописец, получивший международное признание.
Последний день Помпеи картина Русский музей:
Когда было закончена картина Последний день Помпеи, она имела огромный успех, итальянская пресса провозгласила ее шедевром. Общественный энтузиазм легко понять, Брюллов предложил что-то на любой вкус: он дал мелодраматическую трактовку классического сюжета с множеством реалистичных деталей. Благодаря многофигурной сцене и драматическому действию картина меняет направление русской исторической живописи, вдохновляя других художников на попытки создания столь же сложных композиций.
Картина изображает трагическое извержение Везувия (79 год нашей эры), разрушившее города Помпеи, Геркуланум и Стабию. Работа была начата в 1827 году во время поездки братьев Брюлловых на археологические раскопки Геркуланума и Помпей. Говорят, что Карл начал писать картину после посещения оперы «Последний день Помпеи» (L’ultimo giorno di Pompei) своего друга композитора Джованни Пачини в Неаполе. Помпеи представляют переплетение романтической темы движения природы и потрясений окружающей среды с изображением человечества, в любом случае гордого и героического, даже перед лицом катастрофы. Историческая тема приобретает силу не только на художественном и эмоциональном уровне, но и на уровне описательного реализма и историографической контекстуализации: живописец обращался к историческим источникам с большим вниманием, используя имеющиеся тогда археологические данные, изучал письма Плиния Младшего к Тациту, в котором первый очень подробно описал событие. Фактически, картина воспроизводит реальный взгляд на древний город: изображена Улица гробниц (Via dei Sepolcri), от Геркуланских Ворот (Porta Ercolano) до Виллы Диомеда (Villa di Diomede), в направлении Виллы Мистерий (Villa dei Misteri).
В Помпеях исторический сюжет – повод для размышлений Брюллова о судьбах человечества и его бессилии перед природой. Было отмечено, что эмоциональное напряжение больше подчеркивается в подготовительных набросках, чем в законченной работе. Например, выразительное изображение жреца, который в подготовительных набросках на переднем плане убегает, забирая жертвенник храма, завернув в алую мантию, композиционно приглушено двумя похожими фигурами (одна закутана в белый плащ, за группой фигур в центре композиции; другая, сбоку от композиции, слева). На его месте в окончательном варианте группа бегущих людей со стариком на плечах – отсылка к сцене из Энеиды (Эней, Анхиз и Асканий), знак большего уважения и приверженности классической традиции и академическим изобразительным канонам.
Брюллов сыграл первостепенную роль в изменении стилистических черт историзма, но был новатором и по отношению к жанровой живописи. Это новаторство заключалось во внимании Брюллова к аспектам реальности. Повторяющиеся сюжеты в творчестве Брюллова, те, которые дали жизнь так называемому «итальянскому жанру», – обычно женские фигуры погружены в мир солнечного света, который отражается в воде, фильтруются зеленью листьев. Идиллические сюжеты в теплых цветах показывают «соблазнительную Италию, одетую во все цвета радуги итальянского карнавала». Среди многих произведений этого типа особенно известен своеобразный «триптих» – Итальянское утро, Девушка, собирающая виноград в окрестностях Неаполя, Итальянский полдень. Две последние хранятся в Русском музее.
Итальянский полдень считается самой известной и самой удачной, настолько, что сам Брюллов называл картину мое творение. Написанная в 1823 году она была отправлена в Санкт-Петербург и выставлена в 1825 году на художественной выставке. Позднее обществом поощрения художников была подарена императрице Александре Федоровне, супруге Николая II.
Александр Иванов – живописец-мыслитель
Сын профессора живописи Андрея Иванова Александр Иванов – самый значительный художник второй четверти 19 века, хотя и большую часть своей жизни он провел в Италии. Философская проницательность, романтично-реалистический стиль, новаторские исследования его творчества характеризуют направления русского искусства 19 века.
Гениально одаренный и прекрасно подготовленный для реализации своего потенциала Иванов до отъезда в Италию учился у отца, в 1817 году стал студентом Академии художеств. В 1830 году при поддержке Общества поощрения художников он переехал в Рим, где много времени посвящал копированию работ итальянских мастеров, но также создавал собственные композиции. Он сосредоточился на ветхозаветных и новозаветных темах, поскольку они предлагали психологическую сложность, которая зажигала воображение художника, испытывали его способности как мастера реалистической живописи.
Иванов был одержим возможностью выражать нюансы эмоций; любая оценка творчества Иванова должна учитывать этот аспект его творчества. Явление воскресшего Христа Марии Магдалине настолько впечатлило современников художника, что Императорская Академия художеств присвоила ему звание академика.
Алексей Венецианов: поэтический образ крестьянской России
Еще при жизни Алексея Венецианова провозгласили отцом русского бытового жанра. Он считается самым оригинальным из русских художников первой половины 19 века. Жнецы, Спящий пастушок, Жница, Гадание на картах, Утро помещицы, Купальщицы – это живопись, лишенная какой-либо дидактической демонстрации. Она привлекает зрителя свежестью, искренностью, свободной от моралистических соображений.
Шедевр Венецианова – картина Гумно – квинтэссенция русского быта и русского духа. Новаторское произведение в косой перспективе, залитое летом и золотым светом, который исходит из двух точек. Предметы, одежда, сруб амбара воспроизведены с точностью, геометрической тщательностью, которая в каком-то смысле опережает кубизм на столетие. Художник знает, как калибровать расстояния между фигурами, предметами и тенями, чтобы дать представление о глубине пространства. Фигуры запечатлены либо в момент покоя и раздумий или они заняты повседневной работой, связанной с обмолотом. Венецианов изучал полотно Франсуа Гране Внутренний вид капуцинского монастыря в Риме (в Эрмитаже), чтобы понять какую роль играет свет в сложной сцене со многими фигурами и предметами, как они создают тени, которые различаются по форме, высоте, положению.
Венецианов писал портреты современников, среди которых интересен портрет инспектора Академии художеств Кирилла Ивановича Головачевского с тремя воспитанниками Академии, символизирующими живопись, скульптуру и архитектуру.
Павел Федотов
Павел Федотов – родоначальник критического реализма, известный умением изобразить высоту и глубину человеческого существования. На Федотова повлияло голландское искусство. Его работы отражают появление в России нового класса, богатой городской буржуазии, демонстрируют новое, более критическое отношение к жизни по-русски.
Живопись второй половины 19 века
Русско-французская война 1812-1814 года столкнула русский народ с суровой реальностью, стала свидетелем героизма простых солдат. Эти обстоятельства привели к тому, что жизнь низшего сословия стала темой для великого искусства. На раннем этапе ее изображали идеализировано, разбавляя суровую действительность буколизмом. Развивается жанровая живопись, показывающая бытовые сцены буржуазного сословия.
Человеческие типы и местные обычаи огромных пространств империи не могли не привлекать внимания художников, портрет и пейзаж постепенно становятся более объективными и натуралистическими. Растет интерес к темам отечественной истории (сражений, центральных персонажей, жизни бояр, фольклору). Как результат, художники пишут картины, воссоздающие национальную жизнь в прошлом, хотя и в романтической интерпретации. В 1863 году тринадцать художников во главе с Иваном Крамским (1837-1887), недовольные академической линией в живописи, создали Товарищество передвижных художественных выставок.
Картины Айвазовского в Русском музее: Девятый вал – лучшее произведение искусства, которое знаменует переход от фантастической цветовой палитры ранних работ художника к более реалистическому видению. Море во всех его состояниях, игра света на воде – центральные мотивы в творчестве Айвазовского. Он одинаково блестяще изображал бурные волны в волнующем лунном свете, часто сопоставляя человека и природу в романтическом стиле, так и воздействие солнечного света на спокойные воды.
В своих более поздних работах, относящихся к периоду, когда европейское искусство попало под влияние импрессионистов, Айвазовский оставался верен своим романтическим корням. В начале творческой карьеры он отказался от рисования с натуры, ему было не интересно запечатлевать проходящие эффекты света. Работая в своей студии, он полагался на зрительную память и свое воображение, утверждая, что невозможно захватить элементы кистью. Роль художника заключалась в том, чтобы запоминать нюансы и впоследствии использовать это в своих картинах. «Сюжет картины складывается в моем сознании, точно так же, как сюжет стихотворения поэта». Это также объясняет, почему географические детали были для Айвазовского второстепенными; он опирался на воспоминания, накопленные за долгую жизнь и карьеру.
Художники, представленные в Русском музее:
- Федор Васильев: мастер реалистического пейзажа настроения (лирического пейзажа). В ранних произведениях Васильева чувствуется влияние барбизонской школы; живопись барбизонцев действительно повлияла на творчество Васильева, но никогда не приводила к точному заимствованию мотивов. Технически он уступал барбизонцам только на начальном этапе, но нашел собственный путь в этом жанре. После дождя, Деревня по выразительности и глубоко национальному звучанию во многом превосходят приукрашенные пейзажи барбизонских художников.
- Ростислав Фелицын: автор жанровых картин. В ГРМ сохраняются три работы Фелицына: Вдовушка («Убит»), На крыльце избы, Печальное известие (Чтение письма)
- Евграф Сорокин; известен историческими, религиозными и жанровыми произведениями
- Алексей Чернышев – живописец-жанрист. Хорошо известно его произведение, которое хранится в ГРМ, – Отъезд (Прощание уезжающего офицера с его семейством)
- Лев Лагорио – ученик Айвазовского, живописец и акварелист, известный морскими пейзажами и сценами. Он был связан с киммерийской школой живописи, в которую входили художники, работавшие в Южном Крыму
- Николай Лосев – жанрист и исторический живописец; В ГРМ два произведения автора –полотно Последние минуты князя Михаила Черниговского в ставке Батыя и картина Раздел наследства
- Адриан Волков – жанровый и пейзажный живописец
- Василий Пукирев – талантливый жанровый художник в стиле реализма, прославившийся картиной Неравный брак (Третьяковская галере)
- Леонид Соломаткин – жанровый живописец, работы которого посвящены сценам обычной жизни, как драматическим, так и комическим одновременно. Самой популярной была его работа Славильщики-городовые, изображающая демонстративно набожных городовых, пришедших в дом купца на Рождество прославить Христа и получить чаевые. Ее много копировали и воспроизводили как другие художника, та и сам Соломаткин. Одно из авторских повторений Славельщиков-городовых можно увидеть в Русском музее, как и другие произведения художника – Угощение сбитнем, Артисты на привале, Ряженые, Петрушка.
- Фирс Журавлев – художник подлинной России; большую известность получило полотно Перед венцом
- Николай Дмитриев-Оренбургский известен как хороший батальный художник (военная тематика преобладала в его творчество после участия в русско-турецкой войне 1877-78), а также картинами со сценами деревенской жизни. В ГРМ сохраняются картины Утопленник в деревне (произведение, которое принесло Дмитриеву-Ориенбургскому звание профессора), Пожар в деревне
- Александр Морозов, жанрист, работы которого оказали большое влияние на художников начала 20 века, Зинаиду Серебрякову, Бориса Кустодиева, Константина Сомова
- Передвижники: Илларион Прянишников, Алексей Саврасов, Григорий Мясоедов, Василий Перов, Алексей Боголюбов, Николай Ярошенко, Константин Маковской, Николай Ге, Иван Шишкин, Алексей Корзухин, Иван Крамской, Михаил Клодт, Василий Максимов, Илья Репин, Виктор Васнецов, Василий Суриков, Николай Абутков, Николай Неврев
- и другие
Передвижники
Товарищество передвижных художественных выставок было образовано в 1870 году по инициативе Ивана Крамского, Григория Мясоедова, Николая Ге и Василия Перова в процессе борьбы художественного авангарда за демократические идеалы против официального центра искусства или искусства – Академии художеств. Другая цель инициативы заключалась в том, чтобы вывести искусство из крупных центров и распространить его в провинции, в надежде обучить людей эстетике, возвысить их социально.
Испытав различные влияния, передвижники перешли от жанровой живописи, основанной на стиле дюссельдорфской школы, к выразительным формам, полных социальных и моральных претензий. Как художники-реалисты они критически показывали разные стороны общественной жизни – не только бедность, а и красоту народа, не только страдания, также его умственную и физическую силу. Искусство передвижников (в соответствие с их эгалитарными социальными и политическими взглядами) решительно осуждало самодержавие, выступало за освобождение русского народа. Русский музей картины русских художников передвижников. Важнейшим аспектом в творчестве художников-передвижников была общественная жизнь, но также отечественная история. Товарищество было распущено в 1923 году, но его влияние хорошо сказалось на последующих жанрах в русской живописи, от неопримитивизма до социалистического реализма.
Мириискусники
В конце 19 века были те, кто отстаивал более либеральные идеи, чем передвижники, предлагал обновление русского искусства, направленное на западноевропейский художественный опыт. Среди них – Мир искусства, объединение, основанное в 1889 году художником и сценографом Леоном Бакстом, Сергеев Дягилевым и Александром Бенуа. В редактируемом ими журнале «Мир искусства» они критиковали устаревший реализм передвижников, продвигали творческую индивидуальность и дух модерна под знаменем позитивизма. В попытках сделать искусство доступным для всех, они предпочли работать с гуашью и акварелью.
Утонченный характер живописных работ объединения, в которое входили Александр Бенуа, Леон Бакст, Иван Билибин, Мстислав Добужинский, Евгений Лансере, Филипп Малявин, Анна Остроумова-Лебедева, Сергей Малютин, Константин Сомов, ориентирован на синтез искусства, театра, декора и книжной иллюстрации. Как и романтики до них, мирискусники способствовали сохранению искусства прежних времен, особенно традиционных народных искусств и рококо 18 века. Антуан Ватто, возможно, был тем художником, которым они восхищались больше всего. Все гротескное и игривое им нравилось больше, чем серьезное и эмоциональное. Их увлекали маски, карнавал, кукольный театр, мечты и сказки. К проектам художественного оздоровления мирискусники относились юмористически, в духе самопародии. Выставки, организованные «Миром искусства», привлекали многих выдающихся художников из России и из-за рубежа, включая Михаила Врубеля, Михаила Нестерова, Исаака Левитана.
Русский Авангард
От его расцвета в 1912 году до середины 1930-х годов, когда социалистический реализм был объявлен единственным официальным стилем искусства в СССР, русский авангард подготовил почву для интеллектуального и художественного прогресса не только в рамках русской художественной культуры, но и в целом в мировой культуре.
В начале 20 века русская культура находилась в состоянии лихорадочного бурного роста. Были приняты современные стили, как символизм, импрессионизм, исторический жанр пересматривался через неопримитивизм, неоготику или неоромантизм. Константин Богаевский, Николай Крымов, Виктор Борисов-Мусатов, Петр Субботин-Пермяк, Наталья Нестерова, Василий Денисов, Константин Коровин, Михаил Нестеров, Борис Кустодиев, Абрам Архипов, Кузьма Петров-Водкин – художники, которые представляли искусство как силу, изменяющую жизнь.
Когда в русскую живопись проникли кубизм, экспрессионизм и футуризм, они объединились с националистическими элементами, что породило новую эстетику, примерно в 1910 году, которую назвали русским авангардом. Именно русская живопись трансцендентным образом вносит свой вклад в западное искусство через конструктивизм, супрематизм или лучизм, в рождение и теоретизацию абстрактной живописи.
Футуризм
Русские футуристы – новаторская группа художников и поэтов, работавших в Москве и Санкт-Петербурге, в годы, непосредственно предшествовавшие русской революции 1917 года. В нее входили Наталья Гончарова, Михаил Ларионов (создатель теории лучизма), Ольга Розанова, Казимир Малевич, поэты Алексей Крученых и Велимир Хлебников. Помимо поиска вдохновения в международных движениях современного искусства, как фовизм, немецкий экспрессионизм, итальянский футуризм и французский кубизм, футуристы обратились к прошлому России, чтобы создать междисциплинарный проект, в основе которого лежало исследование искусства, языка и национальной культуры.
Основным источником вдохновения для футуристов было традиционное русское народное искусство. Основное влияние на них оказал лубок. Обращенные одновременно к традициям и кажущейся простоте народного искусства футуристы устроили культурную провокацию, которая приняла форму «преднамеренной затемненности смысла» в визуальном искусстве и в поэзии.
Супрематизм и Малевич
Экспериментируя с кубизмом и футуризмом, Казимир Малевич пытался открыть эстетику, достойную современного мира. Он нашел то, что искал, в изобретенном им движении под названием супрематизм – эстетике, основанной на плоских двухмерных геометрических формах. Если раньше русское искусство, основывалось на идее, что художники должны каким-то образом представлять объективный мир, то супрематизм был чисто абстрактным и, следовательно, открытым для интерпретации.
Руководящий принцип супрематизма, согласно Малевичу, в том, что отображение видимого мира в реалистичных терминах больше не служит целям искусства, и что вместо этого художники должны разработать визуальную грамматику беспредметной абстракции, аналогичную ощущениям и опыту. Эта концепция, согласно которой зрители могут интерпретировать искусство в соответствии с их собственным видением, была новой и опасной. Малевич предполагал, что в мире есть нечто большее, чем объективная реальность, и что люди должны думать самостоятельно.
Галерея работ Малевича в Русском музее: карьера Малевича как бескомпромиссного радикала – только часть истории, поскольку в его творчестве есть импрессионистские пейзажи и работы, вдохновленные народным искусством. Ранние фигуративные картины Малевича – его долг перед Моне и Ренуаром. Малевич вернулся к импрессионизму позже в своей карьере, но, как было обнаружено, он датировал эти картины 1910 годом, поскольку обнаружил, что пропустил постепенный переход между импрессионизмом и последующим периодом кубизма. Хотя мотивация ухода Малевича от абстракции в то время могла иметь нехудожественную причину, учитывая, что с 1920х государство начинает контролировать искусство.
Кандинский – основоположник абстрактной живописи
Кандинского считают первым абстрактным художником в современной истории. Хотя недавние разоблачения предполагают, что, по крайней мере, два других художника создавали абстрактные работы за десятилетия до Кандинского, большинство рассматривают его как ключевую фигуру как в абстракции, так и в современном искусстве в целом. Во многом это связано со стилем его работы. В работе «О духовном в искусстве» он рассуждает о своем стремлении к развитию абстрактного стиля. Он сравнивает свои поиски с инструментальной музыкой, которая выражает эмоции, психические состояния, чувства и абстрактные мысли без репрезентативного языка. Кандинский писал о своем желании достичь нерепрезентативного визуального стиля, который мог бы, как и музыка, передавать духовные универсальности человеческого существования. Как и Малевич, Кандинский был революционером, просто предположив, что люди могут достичь чего-то более глубокого и важного с помощью творчества, индивидуальности и свободы мысли.
Работы Кандинского в ГРМ
Синий гребень – картина, которую можно было бы называть «вариация на тему синего». Она знаменует момент перехода в художественной эволюции Кандинского, между свободным стилем «Импровизаций» и геометризованными работами 1920х. В ней ощущается влияние супрематизма, но и чувствуются исследования Баухауса.
Бесконечные оттенки синего проецируются на светлый фон, завершаясь спиральным движением в синей дуге. Дополнительно к глубокому синему, сравнимому со звуком органа, можно слышать «звенящие» тона от прикосновений желтого и красного, сравнимые с регистром трубы. Живопись Кандинского основана на противопоставлении регистров, на изображении живописных конфликтов, на игре диссонансов и противоположностей, что создает новую гармонию.
Появляются образные элементы (которые видно и в предыдущих работах Кандинского) – шатко сбалансированные здания на вершине горы, лодка с гребцами (в правом нижнему углу), что определенно может представлять отсылку к картине «Маленькие радости» (музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк). Воспоминания о пейзаже объединяются с впечатляющими атмосферными эффектами (облаками, дождем, радугой) – кажется, что видишь световую волну, в которой выделен солнечный спектр.
Марк Шагал
Художник, работы которого предвосхитили сказочные образы сюрреализма. Шагал развил очень интересный, поэтический, аморфный и глубоко личный визуальный язык, в котором смешалось влияние иудаизма и русской иконописи. Он провел большую часть своей жизни во Франции, национальность которой он принял и где он умер. «Когда я заканчиваю картину, я подношу к ней какой-нибудь созданный Богом объект – камень, цветок, ветвь дерева или свою руку как последнее испытание», – говорил он. «Если картина в гармонии с объектом, она подлинная. Если между ними конфликт, это плохое искусство».
В центре картины художник, который держит свою жену Беллу за руку, парящую в воздухе. В другой руке он держит маленькую птичку, символизирующую согласие с природой Фон – город Витебск, место, в котором они родились и жили. У ног художника атрибуты для пикника – скатерть красного цвета с бутылкой вина и бокалом. Художник смотрит на зрителя, широко улыбаясь, чем выражает свое счастье. Прекрасный день, он на пикнике с любимой женой в родном месте. Белла взлетает, словно ангел. Смысл образа в том, что любовь, которая связывает двух людей выходит за границы земного. Полет Беллы – взаимное чувство, которое переходит в иррациональное измерение, он символизирует то, что их любовь превыше всего трансцендентного.
На стиль написания повлиял кубизм, с которым Шагал познакомился в Париже, он усиливает нереальную атмосферу безмятежного пейзажа, подчеркнутого лошадью, которая мирно пасется на заднем плане. Розоватый цвет синагоги показывает, что у нее другая духовная функция, в отличие от остальных зданий в зеленом цвете.
Павел Филонов
Один из залов Русского музея посвящен картинам Павла Филонова – величайшему художнику русского авангарда. В отличие от Малевича, который обеспечил себе место в истории европейского искусства тем шагом, что оставил свои работы в Германии после ретроспективы 1929 года, Филонов наивно верил, что его творчество оценит советская Россия, и завещал свои произведения государству. Факт то, что десятилетиями они не экспонировались, и имя этого выдающегося художника мир практически не знал.
Филонов – человек больших идей и крайних эмоций. Формулой периода с 1904 года по июль 1922 года для него был универсальный переход к мировому расцвету благодаря революции. 1920–22 годы знаменуют экстатически оптимистичный стиль, представляющий калейдоскоп синих и фиолетовых туннелей, сходящихся в светящемся центре.
Позднее стиль становится мрачнее, когда появляются зомбиобразные фигуры в опустошенных городских пейзажах. Независимо от настроения, работы Филонова отличаются сложной и яркой фактурой. Определенно, он самый блестящий рисовальщик в истории искусства, создающий повторяющиеся геометрические узоры, беспорядочно расположенные фигуры разного масштаба, которые рождаются из его техники потока сознания.
Аналитическое искусство, название, которое сам Филонов дал методу, может вводить в заблуждение. Филонов считал, что картина должна «расти», как любая другая форма жизни. Он начинал писать в одном углу холста, постепенно продвигался вверх и поперек к противоположному углу. Каждая картина, по мнению Филонова, должна быть свободной от определенных схем и следовать собственным законам. В 1912 году он критиковал Пикассо, нет, не за его новаторство, а создание, по сути, нового академизма. «Кубизм, – писал Филонов, – зашел в тупик из-за своих механистических основ». Как описывает картины Филонова современный российский художник Марина Колдобская – «пульсирующие и дышащие кристаллы, узлы и сети, перетекающие друг в друга на глазах у зрителей».
Для Филонова было важно понятие девственности, картина считалась завершенной, когда к ней нельзя было добавить ни капли краски. Филонов писал картины, добавляя каплю за каплей пока не достигал конечной точки. При множестве микроскопических деталей его произведения не кажутся перегруженными, напротив, сохраняют единство. Ван Гог заметил, что написал только несколько картин, которые сохраняют покой даже в случае катастрофы. Это же можно сказать обо всех картинах Филонова.
В 1929 году была организована выставка работ Филонова. Велись споры относительно того открывать выставку или нет. Оппоненты Филонова, в надежде, дискредитировать творчество гениального художника, привели на выставку группу заводских рабочих, ожидая, что они не поймут картины. Но рабочие проявили неожиданный энтузиазм. Один из них назвал Филонова настоящим сокровищем, другой прокомментировал, что, тот, кто воевал с немцами, все поймет. Картины оставались на стенах Русского музея в течение 18 месяцев, после чего были сняты и отправлены в хранилище.
Филонов и Малевич вращались в одних и тех же кругах и сотрудничали в некоторых важных проектах, но они были противоположностями почти во всех отношениях. Малевич со своим супрематизмом стремился возвыситься над материальным и земным (в этом на него повлиял пионер ракетно-космической техники Константин Циолковский). Несмотря на плодотворную карьеру Малевич известен, прежде всего, культовым Черным квадратом. Но интерес к простому черному четырехугольнику не живописный, а концептуальный (главное здесь не сюжет или образ, а концепция). Филонов писал о необходимости точно и настойчиво вводить цвет в каждый атом… так, чтобы он органически был связан с формой, как в природе…».
Убежденный социалист Филонов был бескомпромиссен до фанатизма. Он отказывался продавать свои картины – каждая работа, по его мнению, была частью единого произведения, и это произведение принадлежало русскому народу. Помимо нескольких картин, которые он подарил друзьям, он завещал почти все свои работы Русскому музею. Отказываясь получать прибыль от своего искусства, Филонов был крайне беден. Были времена, когда он не мог позволить себе ни холста, ни еды, годами жил в неотапливаемой комнате. Иногда он писал маслом на бумаге. Филонов умер от истощения в декабре 1941 года, на третьем месяце блокады Ленинграда.
Социалистический реализм
Социалистический реализм или соцреализм, после распада СССР, остается, возможно, наиболее отвергаемым периодом советского искусства, отождествляемым с политикой и отсталой эстетикой. Да, социалистический реализм был традиционалистским, репрезентативным, известным как «национальный по форме, социалистический по содержанию». В основном он опирался на классические и неоклассические стили искусства. Несмотря на претензии на «реализм», он никогда не был действительно реалистичным, изображая социалистическую реальность не такой, какой она была, а такой, какой она должна быть. Однако ошибочно отождествлять соцреализм только с идеализированными образами героических лидеров, сражений или крестьян и рабочих.
Уже в ранний период, на рубеже 1930-х годов, в якобы монолитном стиле наблюдается разнообразие. Такие художники, как Дейнека, Пименов, Кузьма Петров-Водкин и Александр Тышлер, показывают, как даже в рамках строгих, строгих требований сталинского периода на реалистическое искусство оказывала влияние социально-критическая живопись того времени: суровый немецкий реализм Отто Дикса и Георга Гросса. Они взяли в качестве предмета послереволюционный период НЭПа, отмеченный компромиссом с капитализмом В конце 1920-х годов такие ассоциации, как Общество станковых художников, к которому принадлежали и Юрий Пименов, и хорошо известный Александр Дейнека, хотели объединить западный модернистский подход таких школ, как Баухаус, с иллюстрацией положительных сторон жизни в социалистическом государстве.
Картины Александра Дейнека в ГРМ
После смерти Сталина соцреализм претерпел много изменений, заигрывая с модернисткой живописью и критикой государственной политики. Вдохновленные мексиканскими художниками-монументалистами, итальянским реалистом Ренато Гуттузо и даже средневековыми мастерами (Джотто) Виктор Иванов или Евсей Моисенко разработали гуманное и пессимистическое видение рабочего класса. Это был реализм, но без характерной соцреалистической идеализации и прославления советской действительности. В то время как после Сталина первые секретари не были поклонниками авангарда, оттепель, начатая Никитой Хрущевым, была интермедией, в которой такие художники, как Виктор Попков и Юрий Пименов создавали захватывающие, загадочные, оригинальные формы реалистической живописи.
Факты о Русском музее
Мраморный дворец – великолепный образец неклассической архитектуры, спроектированный Антонио Ринальди и возведенный по заказу Екатерины II для Григория Орлова. Но Орлов умер до завершения строительства, а дворец стал резиденцией великих князей. Сегодня в нем размещается мемориал поэту К.Р. (псевдоним великого князя Константина Константиновича). С 1995 года находится постоянная экспозиция мирового искусства 20 века Музея Людвига – ценный дар Русскому музею немецких коллекционеров Петера и Ирене Людвиг. Собрание включает работы Пабло Пикассо, Йозефа Бойса, Джаспера Джонса, Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Тома Вессельмана, Джорджа Сигала, Джеймса Розенквиста, Класа Ольденбурга, Роберта Раушенберга, Сая Твомбли, Ансельма Кифера, Йорга Иммендорф,а Джонатана Борофски, Джеффа Кунса, Ильи Кабакова.
Летний домик Петра I, построенный по проекту Доменико Трезини – один из первых архитектурных памятников в истории Санкт-Петербурга. Он не пострадал в течение веков, и сохраняет оригинальные интерьеры.
Коллекция Русского музея начала создаваться Александром III. Он был страстный и крупный коллекционер. После основания музея Николаем II ее дополнили экспонаты русского искусства из Эрмитажа и Александровского дворца в Царском Селе. После Октябрьской революции коллекция продолжала расти за счет экспроприации русского дворянства.
В 1926 году в Русский музей перешли фонды Ленинградского музея живописной культуры, открытого в 1921 году. Интересно то, что в коллекцию входили работы Ольги Розановой, Казимира Малевича, Роберта Фалька, Любови Поповой, Александра Родченко, Надежды Удальцовой, Наталии Гончаровой.
Русский музей интересные факты: самым значительным в мире считается собрание декоративно-прикладного искусства, экспонируемое в Русском музее. Это ювелирные изделия, фарфор, церковные облачения, текстиль, коллекция мебели.
Коллекция скульптуры сформирована экспонатами из Эрмитажа и Академии художеств.
Коллекция рисунков и акварелей – крупнейшая в мире, насчитывает около ста тысяч произведений; главный ее собиратель – русская аристократия.
Филиал Русского музея находился в Малаге, где проживают многие русские эмигранты. В выставочном пространстве, расположенном в бывшей табачной фабрике, экспонируются произведения практически всех эпох и стилей российского искусства.
Автор: Элла Михайленко
